初學鋼琴的入門方法

　　隨著生活水平的日益提高，鋼琴不再是高高在上的奢侈品，漸漸走入平常人的家庭。學鋼琴也不再是小孩子的專屬。有很多成年人甚至是老年人學習彈鋼琴。以下是小編整理的初學鋼琴的入門方法，歡迎大家分享。

　　初學鋼琴的入門方法

　　1、鋼琴的基本練法

　　(1) 鋼琴的基本練法就是慢練。

　　慢練尤如"大鏡"，把樂曲中的一切細節都擴大了。慢練的最大優點是來得及根據視覺，聽覺得到的反饋信息調整和修正缺點和毛病。慢練的方法之一是用節拍器。即使在作品練習成熟之后，也不應忽視適當得慢速練習。

　　(2)有計劃、有目的地學習：

　　冰凍三尺，非一日之寒。練鋼琴需要的是持之以恒的態度。鋼琴曲目繁多、演奏技法多樣。初學者應制定一個遠期學習目標和近期學習計劃，從基礎著手，循序漸進地學習，才能目的。

　　(3)以良好的心態學習鋼琴：

　　學琴過程中，可能會遇到情緒起伏不的情況。應調節情緒，適當減輕學習難度，充分激發學琴興趣、緩解學琴緊張感。

　　2、鋼琴彈奏中自然重量的運用

　　關于自然重量的運用的要求是整只手臂的放松自如，從肩部的舒展下垂，到整個手臂的協調下垂，通過放松靈活的手腕調節，然后由手指把手臂重量傳入鍵盤。

　　(1)：認識體會到手臂的自然重量

　　以前傾上身的坐姿，把兩只手臂完全放松地垂下去。此時手臂好像是從肩部自然垂掛下來的物體。在空氣中隨意擺動，晃動，而血都涌向了手掌，通向了指尖。體會到手臂的自然重量后，我們就要把這個自然重量用到彈琴上去。接下來手指就要發揮它的功能和作用了。

　　(2)：手指要承受并支撐整只手臂的重量

　　手指的三個小關節微微凸起，尤其是處于手掌部位的指根關節(以下簡稱"掌關節")必須要作為一個力量的支持點。手臂的自然重量落下來，要求每一個手指都能支撐住。我們用斷奏入門的方法練習：先分別一個手指一個手指地在鋼琴上站好，結合手臂的自然重量。經過一個階段，在每個手指都能自如地彈出飽滿的聲音后，再漸漸進入連奏的練習。進一步我們就可以調節重量的輕重

　　3、彈奏鋼琴時身體的協調

　　身體的的協調牽涉到鋼琴彈奏的基本坐姿和體位等方面，開始就要明確，隨著程序的深化，又要不斷發展和更好地運用。

　　(1)保證身體協調的根本：

　　保證身體協調的根本是根據自己的身體條件進行調節正確合理的坐姿。隨著程度的提高，對力度、速度、音樂情緒和色彩的變化提出了越來越多的要求，所以身體的參與和調節也越來越重要。

　　(2)坐姿的基本要求：

　　臀部要穩定而固定地坐在琴凳中部，為了便于靈活用力，不要坐滿，坐一半即可。而且為了照顧到高低音，要坐在鋼琴中部，不要隨意挪動，而兩條腿放在踏板兩旁，在強奏時左腿可后撤作為全身力量支點。這是坐姿的基本要求。

　　(3)身體的左右調節：

　　身體的左右調節主要依據音的高低。以音階為例，弱低音區時，身體重心放到左腿方面去;彈中音區時，身體重心兩面擺平;彈到高音時，身體重心側往右腿方面。

　　(4)身體的前后調節：

　　身體的前后調節可以根據音量的大小、力量的強弱來確定。

　　4、 手指的能力與訓練

　　(1)手指的能力：

　　手指的能力是指每個手指是否有獨立活動的能力，是否靈活和有力。表現在彈奏上則是清晰度、均勻度和流暢度。

　　5、鋼琴演奏中的促鍵：

　　(1)：指力觸鍵

　　與前臂肌肉相連的肌腱將手指往下拉，就完成了下鍵的動作。當肌腱松會時，手指和琴鍵就回復到原來的位置。

　　練習方法：讓右手處于正常的彈奏姿勢，手背和腕背幾乎在同一水平面上，手指貼住鍵盤，處于C音到g音的位置。手腕在抬高和放下的幾次動作中始終放松，手指始終貼鍵，手指穩固而略呈彎曲。

　　例一：斷奏：每彈一個音符，手指都迅速按下鍵，并在發出聲音的那一刻松開，縮回到鍵上。手腕始終保持平穩。

　　例二：連奏：如斷奏一樣，每個音都要彈出保持住。手指所用的壓力只需阻止琴鍵彈回即可。再向下一個音進行時，前臂略向右轉動。這樣，當一個鍵松開時，另一個鍵正好發出聲音。

　　(2)：手力觸鍵：

　　手力觸鍵的主要特點是手朝下動作。在各類觸鍵方式中運用最廣。手腕的向上彈起的傾向成為手力觸鍵的一個不可改變的標志。

　　練習方法：右手放在鋪例一所示的鍵盤位置上。手腕放松，手指穩固。拇指舉起離琴鍵約1/4寸高，手朝C音的鍵上和鍵里用力，使拇指擊下琴鍵。這時手腕會立即向上拱起1寸高，然后立即放松，回到原來的位置。只樣就形成了斷奏的效果。左右兩手都可以用這個方式來練習。在每個下鍵動作中都要強調手腕的向上運動。也可以用同樣的方式來練習連奏，但手朝下面的一個音的方向稍微轉動，手腕每次向上拱起后，應立即回到原先的位置。手腕放松和手指穩定是觸鍵中最難達到的要求。手指觸鍵有廣泛的用途，如演奏各種音階、琶音以及其他復雜音型的快速樂段等。也常常用在弦及八度的彈奏中。

　　(3)：臂落觸鍵

　　臂落觸鍵是突然落下前臂或全臂，以使所要彈的那個鍵或那幾個鍵在這個下落動作中被推下。最終的姿勢是如圖B所示的，手和手臂都從鍵盤上往下垂掛著。臂落觸鍵可以彈出斷奏的效果，只要手指在聲音發出后立即放松。臂落觸鍵最好用于音的保持或連奏效果。

　　練習方法：先抬高手腕以使指尖幾乎貼住鍵盤。然后突然放松手臂。隨著手臂的下落，以便聽到所要彈的音。手指按住這個音，手腕則低于鍵盤。然后再回到高手腕的姿勢，以便彈奏下一個音，在整個練習過程中，手腕都是放松的。手力與臂落相結合的觸鍵這兩種觸鍵的交替運用在分句表現上極為重要。以帶連線的兩音音組為例，先有臂落觸鍵彈出第一個音，奠定一個基礎，再由手力觸鍵按所要求的輕巧程度或斷奏程度彈出第二個音。每一組的第一個音用臂落觸鍵(D=放低手腕)彈出，第二個音用手力觸鍵(U=抬高手腕)彈。帶連線的左右手各自獨立的音組可以通過獨立使用這兩種觸鍵的方法來練習，對于帶連線的輕巧的音階，可以臂落觸鍵彈第一個音，讓手腕逐漸抬高(手力觸鍵)。當順勢彈完最后一個音時，手腕便懸在半空中。各種音階、左右手分開的練習。

　　注意：拇指總是用臂落觸鍵。其余手指除了彈奏音階的起始音(無論上行或下行)，一律用手力觸鍵。兩種觸鍵的交替使用在八度連奏中應用教多，在黑鍵上總是用手力觸鍵，而緊跟在黑鍵后的白鍵則用臂落觸鍵。

　　半音階八度尤其能說明這幾個原則：

　　(4)：全臂觸鍵

　　6、音階練習

　　音階練習，對于初學鋼琴者是重要的基本功訓練.。練習好音階，需要注意幾個方面：

　　(1). 練音階的重要性：練習音階很重要，一方面可以提高控制和運用手指的能力，二是可以熟悉指法，鞏固記憶;三是可以熟悉鍵盤位置，熟悉調試及其轉換，提高演奏能力。

　　(2). 樹立明確的目標：練音階，首先解決的是一個"立"字，解決五指不立和掌關節發緊，只有苦練才能達到目標。二是學會一個"慢"字。只有會慢練，才能逐漸加強力度，增加耐力，并為以后的加速打下基礎。

　　(3).防止一個"混"字：A大調，#f小調，g小調，C小調，這幾套關系大小調，易混淆，指法易錯，只有經過反復訓練，直練到準確無誤為止。

　　(4)：采取分組練習法：將學過的音階分為四組，每次練琴時先彈兩組音階，再彈樂曲，而后再彈音階，交*進行，每組慢練五次，快練一次，逐漸增加次數，來調動練琴的積極性。

　　7、怎樣練好一首樂曲

　　在練習過程中，可分三階段;視譜、分練、組合。

　　(1) 視譜階段：

　　學習一首新曲子時，要養成先花1～2 分鐘看看譜子，記住調號、拍子、節奏型等，然后再并始用手彈的習慣。視譜能力強是學習進展快的主要因素之一。

　　(2)分練階段：

　　能準確地視譜彈奏后，接著就要分句、分段、分手練習，有困難的地要抽出來反復練。要有針對性地分句、分段或分手練。

　　(3)組合階段：

　　第三階段需要的是思維能力與表達能力。當音符，拍子、指法、分句等問題都解決后，就要動腦筋注意音色與觸鍵的選擇，力度的層次，節奏的靈活性，音樂的結構等等。

　　8、彈奏鋼琴時的表情處理：

　　(1) 聲部程次：

　　鋼琴和管風琴一樣，必須同時奏出幾個聲部并常常模擬整個樂隊的效果。因此，要使一首鋼琴樂曲在演奏處理上表現得當，就應讓各個聲部在整體中形成一定的位置關系。因此演奏者應善于隨機運用各種觸鍵的方式。

　　A：對位性音樂中的聲部層次

　　這些聲部的結合和對比方式應根據具體樂曲而定。凡是專門的主題性素材都應為主要聲部。以巴赫的三聲部賦格中的片段為例。

　　此處低聲部的主要主題最重要。而中聲部的對題(2)和競相出現的、閃現在高聲部的短小音型(3)應處于陪襯的地位。

　　B：和聲性音樂中的聲部層次

　　最簡單的形式是由和弦支持的旋律或經過句。可分出三個不同的層次：主旋律、低音進行以及插入其中的和弦組成。通常在這三個層次之外還可以加上第四個與旋律部分有關的層次。如肖邦《華麗圓舞曲》中的一個片段：

　　在此，高聲部的持續A音應當用全臂觸鍵彈，低音用臂落觸鍵彈，而流動的旋律和伴奏和弦則用手力觸鍵彈。

　　這種四個層次組成的整體，在各類旋律及和聲的組合中都回存在。以舒曼的《浪漫曲》為例，此處旋律的二重奏是由雙手的拇指用全臂觸鍵奏出的。左右兩手的伴奏音型通過指力或手力觸鍵，可以得到柔和的音色。而李斯特的《愛之夢》之三。其中四個聲部的層次分明。演奏時必須將四種觸鍵全用上：主旋律用全臂觸鍵;低音的對位旋律用臂落觸鍵;高音和弦用手力觸鍵;分解和弦用指力觸鍵。

　　(2)：音樂中的脈動

　　A：節拍

　　音樂生命力首先在于不斷重復的脈動，又叫節拍。音樂的性格也是由演奏者所體現的音樂脈動的重音、規整性和速度決定。節拍的組合形式最小單位是小節。其基本結構不外乎雙拍子或三拍子。應當嚴格地區分以小節線劃分的小節單位和真正的樂句小節單位。前者的長度就是兩條小節線之間的距離;后者的長度則是有規律地從某一點起到下一小節中相應的那一點為止。以肖邦的《前奏曲》為例：這里每一個樂句小節在脈動的強度上都顯然含有一"起"一"伏"，因此節拍進行的順序是：弱強弱、強弱強，等等。

　　B：重音

　　重音一般分為兩大類：

　　a：力度型或強力型重音

　　演奏者只需要在所強調的那個音上彈得比后面的音重一些即可，這類重音總用來表現生機勃勃的音樂形象。如肖邦的《軍隊波羅乃茲》就要求在每一小節的第一拍上加一個強有力的力度型重音。

　　b：延音型或時間型重音

　　演奏時可通過延長時值來突出某個音。凡是感情細膩的樂曲用此種重音。

　　(3)樂句及其組合：

　　通常，一個樂句小節只包含一種音型。而當這一音型與下一小節的音型相接時，成為一完整的動機。以肖邦的《前奏曲》為例，兩種音型組成一個兩小節的動機：

　　在一首比較復雜的樂曲中，作曲家通常通過擴展樂句或縮減樂句的手法來打破絕對均衡的樂句所造成的單調。以舒柏特的《奏鳴曲》第二樂章開始處為例：

　　這兩個樂句都是不規則的樂句。因為每個樂句只有三小節半之長，而不是通常的四小節。但是第一樂句省略的僅僅是三個不重要的引子音，而第二樂句卻在音樂進行中過早地刪去了一拍半。

　　(4) 不規則的重音

　　使演奏富于變化的一個重要的手段是運用一個特殊重音來與小節中的規則重音相沖突。以莫什科夫斯基的《瑪祖卡》為例第一拍用延音重音，構成全曲的基本節奏。而在第三拍上則加上一個力度重音以形成強烈的對比。

　　A：不規則的節奏

　　假定規則的節奏是指強拍的時值與弱拍的時值同樣長或更長些，那么顯然較長的音出現在弱拍位置上，這種規律就被打破了。以沙爾溫卡的波蘭舞曲為例：

　　為了更加恰當地表現舞曲的特點，在前兩節中這個反常規的重音出現在第二拍上，在后兩小節中出現在第三拍上。

　　在節奏強烈的音樂中，這類長音通常需要用尖銳的重音奏出，而在抒情的音樂中，應微妙細致地處理，因為延音重音本身的時值就可以產生重音的效果。如舒柏特的《即興曲》第一拍的小節重音就比第二拍上較長的音顯得格外重要。

　　B：切分音

　　長音如緊接在小節音后面出現，可對這個重音起反射或加強的效果。如舒柏特的《主題與變奏》

　　在節奏規整的樂段中，切分是打破音樂單調性的一個好方法。如舒曼的《奇想》

　　9、音樂感的培養

　　每個人的先天素質的確有很大差異，但是通過后天的意識的培養，勤學苦練，就會做到有音樂感的演奏。

　　(1)創造一個音樂的環境：學鋼琴首先要有一個音樂的環境。必須多聽，多感受，潛移默化地接受了音樂的熏陶;逐步對音樂語言、形象、氣氛、音色等，有了感性的認識。

　　(2)注重教材的熟悉和模仿：初學者還應著重對自己所學教材的熟悉和模仿。學生通過熟悉、模仿，逐步到有自己的獨立音樂見解。

　　10、提高鋼琴演奏的表現力

　　在各門藝術中，沒有什么比音樂更能直接打動人的內在情感。在人類生活中，也沒有什么比音樂更能生動地表達人的心聲。從某種意義上來說，我們演奏一首鋼琴曲，不單單只為表現出音符來，更重要的是把這首樂曲演奏得有血有肉、有內容有意境，讓人們聽了能受到感動和振憾，產生一種共鳴。

　　要提高鋼琴演奏中的音樂表達能力應注意以下幾點：

　　(1)正確的讀譜：

　　正確的讀譜，音符的正確、節奏的正確是不夠的。還有許多重要的標記，都直接影響對樂曲的理解、表現對樂曲風格的處理。 A音樂術語：

　　包括樂曲情緒、表情、音樂的性質、速度等等。這些術語提示初學者，樂曲是歡快的或抒情的、是快板還是行板或慢板，這直接關系到對整個作品的風格把握。

　　B具體的力度標記：

　　在古典音樂中，一般從pp到ff之間就有p、mp、mf、f的六個不同層出現。而浪漫樂派及后期作品從pppp到ffff，幅度更加寬。還有sf、sfz或crese、dim等等。這些具體的力度標記，同樣關系到了樂曲演奏中音樂的表現。

　　C速度的不同變化：

　　如：放寬 (Allargando)、減慢漸弱(Calando)、加快 (Accelerando)、逐漸加快(Stringendo)等等。不同的速度變化直接影響樂曲的效果。

　　(2)音樂表現力的基本要素：

　　A抓住音樂特性是表現音樂的關鍵：

　　音樂特性指音樂內容、情緒、形象意境等所決定的音樂的局部特性和總體風格。音樂特性是音樂的實質，是領會音樂把握音樂的基本要素。它決定我們用什么方式、什么手法、什么情感去表現音樂。所以，我們講表現音樂，首先要把握樂曲音樂特性。

　　B分析作品的音樂性質：

　　音樂是通用的語言，是可以融入人的情感而存入人心靈之中。在表現某部作品時，首先要分清樂曲的特性。可以憑直覺來體驗，或是標題、標記來確認，或以分析作品來感覺。分析作品音樂特性霸王是為通過把握不同音樂特征，結合自身音樂感覺把作品生動地表現出來。同時還要掌握一定演奏技巧。只有把音樂目標和技術手段完美結合起來，我們才會有比較完美的音樂表演。

　　11、個人音樂修養的提高

　　提高個人修養是提高音樂表現力的前提。要提高音樂表現力，通過提高個人音樂素養、文化修養以使更好表達作品是非常重要的。

　　(1)了解中外文學作品：練習者應多讀關于音樂史書籍，了解作品的時代以及特點，了解作曲家生平、背景。

　　(2)了解中外文學作品：通過多讀中外文學作品開拓思路，提高表達能力。

　　(3)多看繪畫：藝術是相通的，通過多好的作品(繪畫)，可以提高鋼琴練習者的想象力。

　　(4)欣賞音樂作品：為開闊音樂視野，應多聽音樂會、聽音帶，珍惜接觸音樂的每一次機會，讓練習者提高個人綜合素養，有利于提高作品演奏技巧，更好地表達音樂作品。

　　初學時學《約翰·湯普森》1,2,3,4,5冊并配合《孩子們的哈農》，《拜厄》，這是初學。下一批就是《車爾尼鋼琴練習曲》599,299,849,740并配合《哈農》《巴赫》(《巴赫》有《巴赫初級鋼琴曲集》《巴赫二部創意曲集》《巴赫平均律鋼琴曲集》)和《小奏鳴曲》《莫扎特鋼琴奏鳴曲集》《海頓鋼琴奏鳴曲集》《貝多芬鋼琴奏鳴曲集》，這是由初等到中等。更高程度就需要《肖邦練習曲》等了。

　　擴展資料：

　　鋼琴入門樂理知識

　　稍有物理知識的人都會知道，聲音是因為物體的振動而產生的。音樂是聽覺藝術，其最基本的構成就是聲音。但是并不是我們在自然界中聽到的一切聲音都可以作為音樂的構成材料。在音樂體系中用到的聲音，是無數人經過長期實踐精選出來的、能夠體現人類感情的聲音。這些聲音組成了一個固定的樂音體系，又經由幾十代音樂大師之手，創作出了無數優美、動人、振奮人心的傳世佳作。為我們留下了一筆豐厚的文化遺產。

　　從聽覺角度來講，聲音主要由四種屬性——高低、長短、強弱、色彩(即常說的音色)。其中：

　　音的高低是由發音源在一定時間內的振動次數(頻率)來決定的。振動次數越多，頻率越高，音也就越高。反之則低;

　　音的長短是由發音源振動時所持續的時間來決定的。持續的時間越長，音越長，反之則短;

　　音的強弱取決于由發音源的振動幅度(振幅)，幅度越大，音越強，幅度小音就弱;而發音源的材質、形狀及泛音數的多少則決定了音色。

　　聲音的以上這四種屬性，在音樂的表現中都是非常重要的，其中又以“高低”和“長短”最為重要。比如一首歌曲，本來是由人聲演唱的，但是如果我們把它改編為器樂曲、并且減小音量，雖然改變了音的長短和音色，但是仍然可以很容易地分辨出它的旋律。但是，如果我們把這首樂曲中每個聲音的長短、高低隨意的改變，其原來的旋律馬上會受到嚴重的破壞——面目全非呀!由此可見,無論是創作、演奏、歌唱的時候都應該對聲音的高低(音高)和長短(即后面要談到的“時值”、“節奏”)加以特別的注意。

　　由于物體在振動的時候并不是總是規則的，所以聲音又有“樂音”和“噪音 ”之分。規則振動發出的是樂音，反之則稱為噪音。在音樂中，用的最多的是樂音，但是這并不代表噪音就不屬于音樂的組成部分，樂隊中的大部分節奏打擊樂器所發出的聲音就屬于噪音，但它同樣具有非常豐富的音樂表現力，甚至成為了現代通俗音樂中不可缺少的部分。

　　最后，還需要再提到的一點是——我們平時聽到的某一個音都不只是一個單獨的純正的音在響，而是許多個聲音的結合，我們稱之為“復合音”。這是因為物體在振動的時候不僅整體在振動，而且各個部分也在振動。以吉他為例，在我們撥響一根琴弦地的同時，這根琴弦的1/2、1/3、1/4……各個部分也都在分別振動。這種由琴弦(發音源)整體振動產生的聲音稱為“基音”，是最容易被人耳聽到的聲音。其它部分振動產生的音，稱為“泛音”在與基音同時發聲的時候是不容易被聽到的，除非我們刻意地抑制基音，突出泛音。比如吉他中的自然泛音和人工泛音奏法。

　　為了說明這個理論，更直觀的理解，有吉他的朋友可以在每條弦的第12品附近做一個試驗。——先用左手的小指輕輕地虛按在任意一根弦的第12品位置(琴弦不要碰到音品)，然后用右手撥動這根弦，同時 馬上抬起左手的小指。這時你會聽到一個不同于彈奏這根弦的空弦或第12品時的、非常特別的聲音，這就是泛音。現在，觀察一下兒吉他第12品對于琴弦來講的大概位置。怎么樣?對了是1/2處!同樣1/3處(第7品)、1/4處(第4品)都有這種聲音。

　　體系、音級、音列和音的分組

　　一個不是很重要的概念(簡單了解即可)——在音樂體系中，所有具有固定音高的樂音的總和，叫做樂音體系。樂音體系中的音，按照上行(xíng)即從低到高或下行(由高到低)的次序排列起來的音叫做音列。我們在鋼琴上可以明顯地看出樂音體系中所使用的音和音列。標準的鋼琴有88個鍵，也就是說鋼琴由88個音高各不相同的音。除此之外的音很少用在音樂中。

　　下面要講一個比較重要的概念——音級。

　　樂音體系中的每一個音叫做音級。音級有基本音級和變化音級兩種。

　　一.基本音級：

　　在樂音體系中，具有獨立名稱的7個音級叫做基本音級。這7個音級表就是現在鋼琴上白色琴鍵所發出的聲音。

　　基本音級的名稱有音名和唱明兩種標記方法，每個音級的音名是用字母來標記的。唱名則利用讀音來表示。(關于音名和唱名的關系，我們將在后面的調式與調性的部分具體講解。)以C大調為例：C大調基本音級的音名從低到高分別標記為：C、D、E、F、G、A、B與其對應的唱名則是do、re、mi、fa、sol、la、si 七個讀音。

　　在樂音體系中7個基本音級的標記(音名和唱名)是循環使用的。即C、D、E、F、G、A、B之后又回到c、d、e、f、g、a、b或do、re、mi、fa、so l、la、si之后還是do、re、mi、fa、sol、la、si……如此循環往復。

　　但是，每一個循環中的音級是音高不同的，也就是說，雖然音名(或唱名)相同但音高是不一樣的。在標記音名時時采用大寫、小寫，或者是在大寫字母后加入下標、小寫字母后加入上標的方法加以區別。如：C、a、a1(后面的數字“1”應為上標形式)、B3(數字“3”應為下標形式)。其中兩個相鄰的、具有同樣名稱的音的關系叫做“八度”。

　　二.變化音級：

　　在七個基本音級中，除了E和F(C調唱名為mi和fa)、B和C(C調唱名為si和do)之外，其他的兩個相鄰的音級之間還可以得到一個音，也是人耳可以明顯分辨出來的。

　　我們舉一個例子——在C音和D音之間還可以得到一個音高既不同于C又不同于D的音，也就是說這 個音要比C音高但是又比D音低。我們可以認為這個音是升高C音或者說是降低D音得來的。這種升高或降低基本音而得來的音，叫做變化音級。變化音級表現在鋼琴上就是黑色琴鍵所發出的聲音。變化音級的標記方法是在基本音級的前面加入#(升號)或b(降號)。如C音和D音之間的音，我們可以說它是升高C音而得來的，這樣就把它標記為#C(讀做“升C”)，同時，我們也可以認為它是降低了D音而得來的，因此也可以把它標記為bD(讀作“降 D”)。

　　由此可見，#C和bD實際上是一個相同的音，只不過標記方法不同罷了。這種標記方法不同、實際音高相同的音叫做“等音”。

　　三.音的分組

　　前面我們講過，在樂音體系中七個基本音的名稱是循環重復使用的。因此就會產生許多音名相同而音高不同的音，為了加以區別，我們將音列分為許多個“組”。

　　最中央的一組叫做“小字1組”，用小寫字母并在右上方加數字1來表示，如c1、d1、e1、f1……(字母后的數字應為上標形式，下同)比小字1組高的音組依次命名為“小字2組”、“小字3組”、“小字4 組”、“小字5組”，其中，小字2組的標記方法是——用小寫字母并在右上方加數字2。其他各組的標記方法依此類推。

　　比小字1組低的音組依次命名為“小字組”、“大字組”、“大字1組 ”、“大字2組”

　　小字組的音用不加數字上標的小寫字母來標記，如c、d、e、f、g、a 、b;

　　大字組的音用不加數字下標的大寫字母來標記，如C、D、E、F、G、A 、B;

　　“大字1組”和“大字2組”的音用大寫字母并在右下方加數字下標來表示：如F1、G1、B2、A2……

　　同名變化音級的標記方法只要在基本音級的前邊加上#(升號)或b(降號)即可，如#A1、#e、#f2、bA、bg3……

　　下面以鋼琴為例，介紹一下兒音的分組(只列出基本音級的分組)—— 在鋼琴上，從左向右(由低到高)基本音級(白鍵)的分組依次為：

　　大字2組：A2、B2

　　大字1組：C1、D1、E1、F1、G1、A1、B1

　　大字組：C、D、E、F、G、A、B

　　小字組：c、d、e、f、g、a、b

　　小字1組：c1、d1、e1、f1、g1、a1、b1

　　小字2組：c2、d2、e2、f2、g2、a2、b2

　　小字3組：c3、d3、e3、f3、g3、a3、b3

　　小字4組：c4、d4、e4、f4、g4、a4、b4

　　小字5組：c5

　　五線譜利用許多條相互平行的橫線，和音符、休止符來紀錄音樂。不同形狀的音符和休止符標明了每個音的時值(聲音持續時間的長短)，這些音符在五線譜上的位置決定了聲音的高低。

　　1.譜面構成

　　五線譜的基本譜面有五條平行的橫線，相鄰兩條線之間的空余部分稱作“間”，五線譜就是用這些線和間來紀錄音樂的。在五線譜上，這五條線和四個間是由下至上計算的，即最下面的線稱作第一線，它上面的一條叫做第二線……其余依此類推，一直到第五線;由第一線和第二線畫出的間叫做第一間，再上面的稱第二間、第三間、第四間。

　　很明顯，如果僅僅利用基本譜面上的五條線和四個間，我們最多只能紀錄9個基本音級，加上變化音級也不過14個音，這在很多音樂作品中是遠遠不夠的。因此，為了紀錄音高高于第一線或者低于第五線的音級，還要在第五線上面或第一線下面加上許多短線，叫做“加線”。位于基本譜面上面的加線叫做上加線、下面的叫做下加線，并且由此產生了上加間和下加間。

　　加線和加間的計算方法是：上加線和上加間與基本譜面的計算方法相同，也 是由下至上計算。即：第五線上面的加線依次為：上加一線、上加二線、上加三線……。第五線和上加一線形成的間叫做上加一間，在向上依此類推;下加線和下加間則由上向下計算。即：第一線下面的加線依次為，下加一線、下加二線、下加三線……。第一線和下加一線形成的間叫做下加一間，依次向下為，下加二間、下加三間、下加四間……。

　　2.音符、休止符：

　　音符就是在五線譜上記錄聲音持續時間長短(時值)的符號。

　　休止符就是記錄聲音間斷時間長短的符號。休止符同樣記錄的是聲音，只不過它記錄的聲音不發聲而已。可以說休止符是“不發聲的音符”，它同樣對音樂的表現具有重要的意義。

　　音符由“符頭”(空心或實心的橢圓形標記)、“符干”(垂直向上或向下的短線)和“符尾”(連在符干末端的細細的旗狀標記。)三部分組成。根據時值的不同分為：

　　二全音符(很少使用)：空心符頭，并且左右加垂直的短線。沒有符干、符尾;

　　全音符：空心符頭，沒有符干、符尾;

　　二分音符：空心符頭加符干;

　　四分音符：實心符頭加符干;

　　八分音符：實心符頭加符干和一條符尾;

　　十六分音符：實心符頭加符干和兩條符尾;

　　三十二分音符：實心符頭加符干和三條符尾;

　　我們用五線譜記錄音樂的時候，并不是把所有的音符、標記堆積在譜面上就可以了，而是要遵循一些標記規則的。正確地掌握這些規則，可以使譜面清晰明了，從而能夠準確地反映樂思，并且有助于相互的交流。

　　前面我們講過音符最多可以由三個部分組成——符頭、符干、符尾，其中，音符的符頭可以記在五線譜的任意線或間上。符頭在五線譜上的位置越高，則它所代表的音就越高。反之則越低。

　　在記錄單聲部音樂的時候，因為單聲部音樂在同一個位置上的音符時值是相同的，即此位置上的音符可以共用一條符干。所以我們采用單符干方式記譜。 用單符干記譜時，當符頭在第三線以上時，符干朝下，寫在符頭的左邊;當符頭在第三線以下時，符干朝上，寫在符頭的右邊;符頭在第三線上時，符干朝上或朝下均可，此時要鄰近音符的符干方向而定。符尾永遠寫在符干的右邊并且彎曲指向符頭。如果同一時刻有多個音符同時發聲，則各個音符縱向對齊記錄，此一列音符共用一條符干，符干的方向以距離第三線最遠的符頭為準。如果不同時刻、相互連續的幾個(列)音符都有符尾，這時可用共同的符尾(符杠)相連。如果符杠在兩條以上，則相互之間要平行。

　　單聲部音樂永遠用單符干記譜，多聲部音樂只有在節奏相同(同一時刻每個聲部中的音符時值相同)時才可以用單符干方式記譜。節奏不同時，要用雙符干或多符干記譜。在用多符干記錄二聲部樂譜時，高音聲部的音符，符干朝上，低聲部的符干朝下。聲部交錯時(即高聲部最低的音有時會低過低聲部的音。)，其原則不變。

　　符干的高度一般保持八度音的距離，假如符干連著許多符頭時，符干的長度應是符頭間的距離加上八度音程的距離。如果符頭在上加三線以上，符干必須延伸到五線譜的第三線或者第四線。如果符頭在下加三線以下，符干必須延伸到五線譜的第三線或者第二線。音符如果帶有符尾，則符尾形狀不變。

　　當許多音符以共用符尾連結在一起時，會出現符干長度長短不一的情況。這是要使符杠(共用符尾)與最近的符頭之間的距離保持在八度左右。符杠的角度要和音符在譜面上的走向基本平行。符點(后面將要介紹到)要寫在音符符頭或休止符右面的間內，而不是線上。

　　休止符在單符干記譜時要寫在第三線或盡量靠近第三線的位置。二分休止符寫在第三線的上面，全休止符寫在第四線的下面。雙符干記譜時，如果是各聲部共同休止的時候，休止符的寫法和單符干記譜相同。個別聲部休止時，休止符要寫在五線譜的邊緣，或線譜的外面。這時全休止符和二分休止符就需要加線，全休止符寫在加線的下面，二分休止符寫在加線的上面。

　　在前面我們曾經講了一些具有基本時值的音符。但是，當我們利用五線譜記錄樂曲的時候，僅僅依靠這些音符是不夠的。比如：當我們要記錄一個音符，但是，它的時值相當于一個半二分音符那么長。也就是說這個音符的時值比二分音符長，比全音符又要短一些，很明顯如果用基本音符來表示就無能為力了。在這時，我們就需要用到一些給基本音符增加時值的補充記號。這主要由三種：

　　1.符點：

　　符點是記在音符符頭右邊的小圓點兒，用以增長音符的時值。如果一個音符的右邊帶有一個符點，那么就表示此音符的時值在原來的基礎上還要再增加1/2;如果是帶有兩個符點的音符，則表示此音符的時值在原來的基礎上還要再增加3/4。例如：帶有一個符點的二分音符，它的時值就是一個二分音符再加上一個四分音符的長度。

　　帶有一個符點的八分音符，其時值等于一個八分音符再加上一個十六分音符的長度。

　　帶有兩個符點的全音符，其時值等于一個全音符再加上一個二分音符的長度。

　　帶有兩個符點的四分音符，其時值等于一個四分音符加上一個八分音符的長度……

　　同樣，符點一樣適用于休止符，它所表示的意義和用在音符后面時是一樣的。

　　2.延音線：

　　延音線是一條向上或向下彎曲的弧線，其作用是：將兩個或兩個以上具有相同音高的音符相連，在演唱或演奏時作為一個音符，它的長度等于所有這些音符的總和。

　　在單聲部音樂中，連線永遠寫在和符干相反的方向。如果是雙聲部音樂，則高聲部的連線朝上彎，低聲部的連線朝下彎。如果多于兩個聲部，連線則分別記在兩邊。

　　3.延長號：

　　延長號的形狀是在一個半圓形的中間加上一個圓點，在單聲部音樂中，它寫 在音符或休止符的上面，表示按作品的風格、演奏者的意圖可以自由的增長音符或休止符的時值。在多聲部音樂中，延長號也可以記在音符或休止符的下面。此外，延長號還可以記在小節線上，表示小節間片刻的休止。當延長號記在雙縱線小節線上時，代表音樂的結束或告一段落。

　　變音記號

　　變音記號是用來表示升高或降低基本音級的記號，一共有五種：

　　1.升記號(#)：表示將基本音級的音高升高半音;

　　2.降記號(b)：表示將基本音級的音高降低半音;

　　3.重升記號(※)：表示將基本音級的音高升高兩個半音(一個全音);

　　4.重降記號(bb)：表示將基本音級的音高降低兩個半音(一個全音);

　　5.還原記號：表示把已經升高或降低的音還原。

　　從縱向位置來講，變音記號可以記在五線譜的線上或間上，以對應要改變的音符;從橫向位置來講，變音記號可以記在音符的前面或譜號的后面。

　　直接記在音符前面的變音記號叫做臨時變音記號，它只對所在小節中的所有具相同音高的音符有效——比如，在一個小節中，臨時升記號記在了第五線的F音上，那么就表示本小節第五線上的F音在演奏時要升高半音。但是，如果在此小節中還有一個第一間的F音(同名不同高)，并且希望這個音在演奏時也升高半音，那就需要在此音符的前面也加上一個臨時升記號#。

　　注意：臨時變音記號只對其所在小節內的音符生效。進入到后面小節中所有改變的音符自動還原。

　　當變音記號寫在譜號(樂曲第一小節最前面的花體符號)后面時，則稱為“調號”，它是用來標記樂曲的調式的。除非在樂曲的進行當中改變調號，否則它對五線譜內所有具有相同音名的音符都生效。——比如G大調的調號是一個升號，記在第五線上。它表示譜面內所有的音名為F的音符(包括同名不同高的音符)都 要升高半音，而不僅僅是升高第五線上的F音。

　　如果在樂曲進行當中需要改變調號，則需要遵循如下規則：

　　1.增加原有升號或降號的數目。這時只需要在要改變調號的那一小節的開始處直接寫出新的調號;

　　2.減少原有升號或降號的數目。這時要先在前一小節的最后還原多余的變音符號，然后在要改變調號的那一小節的開始處直接寫出新的調號;

　　3.升號調號變降號調號或降號調號變升號調號。這時要先在前一小節的最后還原原有的變音符號，然后在要改變調號的那一小節的開始處寫出新的調號。

　　鋼琴入門的指法練習

　　第一、【指法，類似寫字的筆順】

　　要想寫好字，必須懂得下筆的順序。鋼琴的指法的意義還要重于筆順。因為就算不用正常的筆順，也可以寫出能認的字來;但是，不用正確的指法，常常沒法順利彈出樂曲的音符和句子來。

　　正確的指法，也就是合理的指法。合理，就是合乎手指與鍵盤關系之理，合乎手指與音符關系之理，合乎各人手指之間的關系之理。合理，才能有邏輯、有規律、有條不紊、不忙亂地彈奏。

　　1、正確的指法，要以每個手指的獨立為前提，同時又會有利于發展每個手指的獨立。

　　2、正確的指法，就是發揮每個手指特長的指法，人與人之間手指的類別是有差距的

　　3、正確的指法，才能彈好樂句，表達好語氣，有利于克服技術困難。

　　4、正確的指法，還能幫助背譜。有時，記住一個關鍵的指法，后面的音就順手而出了。對樂曲的記憶，與對指法的記憶往往是連在一起的。

　　同時，指法還關系著音樂風格。例如，肖邦的某些指法，好象是他的“專利”一樣，只有他才有，只能用他的指法才能彈好他的曲子。總之，不懂得正確指法的基本原則、方法，就不能順利地掌握鋼琴技術。

　　第二、【安排指法的基本規律】

　　初學鋼琴的學生，如遇到了“指法問題”，可以參考以下幾點：

　　1、盡量減少手部的移位。五個手指對準五個音，是手的原位。假如一個曲調只有五度內的五個音，原則上就不要移位，只用原位指法。當旋律音超出五度范圍時， 就要移位。移位的原則是移動一次后能在新的位置(新的原位)上穩定一段時間，或者說移動一次能“多管用些”，避免不斷地移位。這就要瞻前顧后，自己計算， 究竟從哪個音開始轉移、轉移多遠最為有利。

　　2、移位有兩種。一種是手指伸張開(首先是大指與其他指間的伸張)完成的移位。另一種是大指從其他指的下面或其他指從大指上面的越過完成的移位。這兩種移位，原則上能用“伸張”方式的，就不用“越過”方式。

　　3、不要回避“不聽使喚”的手指，但也不是故意多用不聽使喚的手指，而是要用該用的手指。

　　4、兩個超出八度以外的遠距離音的連續，原則上(而非任何情況下)都要用1、5指。這是遵循“縮短路程、節約時間”的原則。試驗一下就會發現，任何兩個相距兩個八度的音，用張開手的1、5指去彈和都用3指彈相比，前者手的移動距離明顯小于后者。

　　鋼琴基礎入門

　　一、【鋼琴的發音特點】

　　為什么同是一臺鋼琴，有的人彈得好聽，有的人卻彈得很難聽？這固然牽涉到很多的問題， 比如節奏感、音樂感，以及音樂修養、音樂趣味都直接關系到彈得好聽不好聽。但從第一步來看，從最基本的彈奏方法來看，首先要考慮鋼琴的發音特點。也就是 說，鋼琴這件樂器，從彈奏方法來講，怎樣才能彈出它基本的、應該的有良好的音質來。

　　二、【完善音色】

　　鋼琴的發音是"一觸即發"的，就是說當琴槌一擊琴弦，聲音就發出來了。所以，鋼琴的發音是在一霎那間完成的，而發出來之后就不可能改變了。這一點跟人聲與 管、弦樂器不同，在歌唱或小提琴演奏時，一個音發出來后，可在延長中任意漸強、漸弱、還可進一步改進音高和完善音色，但在鋼琴上發出一個音后，需要延長只 能靠琴弦的振動，而且是越來越弱的，如果一個音在發音的一瞬間不夠理想或碰錯了，那是無法改變的。

　　三、【合理發音】

　　根據以上所述，我們在發出聲音的一霎那，保證把琴槌一下子擊中琴弦，所以下鍵要快，一下子彈到"發音點"上，聲音一旦發出，手立即放松，不要再加上力氣或 緊壓不放，因為根據鋼琴的發音特點，發出聲音后就不可改變，任何擠壓只會破壞自身的協調自如，而自身發音機能的緊張和僵硬必將破壞后面的正常合理發音。

　　四、【"快下，放松"】

　　因此我們可總結出鋼琴上基本發音的方法應是"快下，放松"，即快下鍵后立即放松，千萬不要繼續擠壓琴鍵，做著吃力不討好的事。有的學生彈琴壓得很厲害，聲 音全被壓扁了，悶在鋼琴里發不出來。自己很費力，聲音很難聽，還影響了音樂的流暢。如果他能懂得鋼琴的發音特點，經過較科學規范的訓練，是可以得到改進 的。

　　五、【明確概念】

　　在解決發音差的毛病時，要充分的揮耳朵的功能，通過"聽"去檢驗自己彈出來的聲音。當然，在學生并不懂得"聽什么"的時候，學生是無法做到"聽"的。我首 先要告訴學生關于鋼琴這件樂器的發音特點，并告知學生如何彈出好聽的聲音，并讓學生明確怎樣彈就會產生擠壓等不好的聲音，學生在明確概念后，才會知道要求 自己用什么標準去聽。

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