西方油畫的歷史與發展

　　油畫是以用快干性的植物油調和顏料,在畫布、紙板或木板上進行制作的一個畫種。下面是小編整理的西方油畫的歷史與發展，希望對大家有幫助。

　　西方油畫的歷史與發展

　　自從十五世紀的凡·愛克兄弟（北歐尼德蘭畫家。胡伯·凡·愛克1370-1426，揚·凡·愛克1390-1441）改造了油畫技能，幾個世紀以來，各國藝術家創造了很多的油畫精品。每天，運用異樣言語的觀眾，進入世界各地的藝術博物館或博覽會，欣賞大師們的油畫創作，遭到激烈的感染，獲得了美的享用。跟著畫廊的呈現，油畫已不只是陳列于博物館里或博覽會上，他成為商品在社會上流轉，進入了異樣層次的家庭和社會生活。毫無疑問，油畫已成為全世界最盛行的繪畫藝術之一。

　　油畫傳入中國，只要一百多年的工夫。在二十世紀初，中國赴歐洲、日本學習油畫的一大批青年學生回國后，油畫在中國才真實鼓起。如今，油畫在中國已為普通人所明白和承受，中國的油畫也開端步入世界的畫壇。一般來說，經濟興旺的區域，藝術的開展也是同步的。曾有這樣一個傳說，要是有人在美國紐約的大樓上往下扔一塊小石子，那準是掉在畫家的身上。固然，這一傳說有些夸大，但足以闡明紐約的畫家之多。跟著我國經濟和文化水平的不斷提高，完全可以信任，油畫在人口眾多、歷史悠久的中國，將會有更廣大的開展前景。

　　西方油畫簡史，色彩背后的藝術底蘊

　　追溯到油畫歷史的開端，其實油畫的前身是15世紀以前歐洲繪畫中的蛋彩畫，后來，出現了一位藝術家，名叫尼德蘭畫家揚·凡·艾克（Jan Van Eyck），對這種蛋彩畫進行改良以后發揚光大，后人因其獨特的貢獻，稱他為“油畫之父”。

　　后來，油畫逐漸成為了西方繪畫史中的主體繪畫方式，隨著時間的發展，油畫逐漸生活化，其中最著名的就是《蒙娜麗莎》。

　　1504年左右，達芬奇創造了蒙娜麗莎，這幅作品咋看是一個女人的微笑，但事實上不是，在這幅畫的背后還隱藏著第二張臉，科學家通過多光譜掃描發現了三種不同的繪畫，他們就隱藏在蒙娜麗莎的微笑背后。如果將這些圖像還原，那么就會看到一個動態的蒙娜麗莎的微笑，讓人們不得不佩服達芬奇的天才創作。

　　總體上概括來說，油畫的發展過程經歷了古典、近代、現代三個時期，不同時期的油畫受著時代的藝術思想支配和技法的制約，呈現出不同的面貌。

　　古典時期

　　15世紀的歐洲文藝復興時期，人文主義思想出于對宗教的批判，許多著名畫家為逐漸擺脫單一的以基督教經典為題材的創作，開始對當時生活中的人物、風景、物品進行觀察和直接描繪，導致了宗教題材的作品中含帶有明顯的現實世俗因素。

　　這個時代的畫家們繼承了古希臘和古羅馬的藝術觀念，不僅注重作品要描述某一事件或事實，還要揭示出事件或事實的前因后果，于是形成了注重構思典型情節和塑造典型形象的藝術手法，與此同時，畫家還分別探索解剖學、透視學在繪畫中的運用、畫面明暗分布的作用等。

　　人體解剖學的運用使繪畫中的人物造型有了如同真實般準確的比例、形體、結構關系；焦點透視法的建立使繪畫通過構圖形成幻覺的深度空間，畫中的景物與現實中定向的瞬間視覺感受相同；明暗法使畫中的物象統一在一個主要光源發出的光線下，形成由近及遠的清晰層次。

　　到了17世紀，有一部分的油畫開始強調油畫的光感，運用色彩冷暖對比、明暗強度對比、厚薄層次對比進行光感的創造，形成畫面戲劇性氣氛。

　　意大利畫家卡拉瓦喬打破了他之前油畫中有序和諧的光感效果，他強化畫面上明暗的對比，往往用畫面背景平面的大片暗部襯托前景明亮的人物，令人感到畫中光線耀眼。

　　荷蘭畫家倫勃朗也把畫中的光感作為表現人的精神狀態的一種手段，他所作大量的人物肖像中，人物都處在大塊暗部的籠罩中，唯表現神情的臉、手等重要部分顯出鮮明的亮度。

　　近代時期

　　油畫的發展在19世紀有了新的趨向，主要體現在油畫色彩的變革。英國畫家康斯特布爾最早直接用油畫在室外寫生，獲得豐富的色彩感受，他在局部用細小筆觸并置顏色，使之混合成較鮮明的色塊，畫面較古典的褐色調子明亮得多。

　　然而到了19世紀末葉，西方油畫發生了根本性變化。油畫不再以模仿自然、再現自然為藝術創造原則，而是以畫家們自由構造的油畫藝術形象為新的真實。他們以油畫作為表現自己精神與情感世界的媒介，以想象、幻想等方法構造作品。

　　其代表畫家梵高，繼印象派之后率先離棄了傳統油畫模式，以疾急奔放的筆觸，使濃厚、明亮的色彩充滿強烈的力感，表現內心情緒的不安。

　　現代時期

　　在20世紀近現代的油畫中，不同的藝術觀念形成了不同的流派，油畫形式語言受到高度重視。

　　從近幾百年來西方油畫的歷史中，我們可以看出，油畫發展到現代已經壯大，無數的流派之間相繼出現與更替，只要以油畫工具材料為造型媒介，藝術家們就可以創造任意的油畫面貌。

　　而隨著藝術觀念的不斷擴大，油畫的材料還能與其他材料地相結合，有些創意油畫作品會被歸類于不屬于任何一種畫種，因此油畫被擴展成為了一門綜合性藝術，一掃之前的局限性，源源不斷的現代元素讓油畫創變出無限可能，在藝術的世界里大放異彩。

　　然而現代藝術在一定程度上也脫離了普通人的生活體驗和審美習慣，他們的許多藝術語言和美術觀念是普通人難以理解的。所以也要學會欣賞藝術作品。

　　欣賞油畫作品的幾大要素

　　不論哪個類別的油畫作品。欣賞一幅油畫作品應該從“構、內、形、色、光、筆、質”等幾個方面來欣賞和鑒別。

　�。�1）”構“也就是構圖，當一幅油畫作品進入觀眾眼簾的時候，首先看到的是一幅畫的總體布局和構圖。構圖作為一種最重要的繪畫形式語言之一，對作品的成敗起到關鍵的作用。一幅作品構圖要符合審美要求和哲學原理。在滿足觀眾審美需求的同時，也傳遞著某種思想，欣賞者可以從不同的構圖中得到平靜、穩定、傾斜、壓抑或驚喜之不同感受。

　　希施金的《莫斯科的郊外》 特點：注重畫面構圖平衡和畫面主體

　　（2）”內“即內容，是一幅作品所要表達和傳遞的信息。這也是欣賞者和畫家最直接交流的一條途徑。按照畫面刻畫的是什么、刻畫得逼真否、畫中形象要傳達什么寓意等，很容易就能體會到畫家的喜怒哀樂。

　　俄羅斯列賓的《伊凡雷帝》， 特點：注重內容主體的生動多姿

　　（3）“形”就是主體物體的物理形狀，寫實主義作品尤其注重畫面主體物體的形狀造型。這是寫實油畫的基本功，也是比較難的一個環節。太多的畫家繪畫幾十年，都沒有能夠掌握“形”的基本功。要成為一名優秀的畫家，就要練好造型的基本功。

　　德國畫家門采爾的《自畫像》， 特點： 注重人物五官造型的精準

　　（4）“色”就是色彩。由于油畫藝術作品的色彩極具豐富性，故被稱為是“繪畫中的交響樂。所以一副好油畫對色彩的運用，就像好一首好曲能引起觀眾的共鳴，它能把人帶入一個神秘的境界—或典雅、或莊嚴、或壓抑、或興奮等。尤其印象派油畫大師們更加關注畫面色彩的變化。但所有的變化一定是科學客觀的真實的變化，絕非有些畫家憑自己的任意想象來作畫，結果使得畫面雜亂無章。

　　法國印象派畫家莫奈的《午餐》局部， 特點：注重豐富的暗部的色彩變化

　　(5)“光”就是光線，油畫作品對光線的安排要求較高。一幅好的油畫作品，其畫面中的光線運用，一定有其獨到之處。

　　倫勃朗《自畫像》局部， 特點：注重光線的角度運用

　　（6）“筆”即 筆觸。筆觸述說著畫家的情感和對美學偏好，并能敏銳地顯現著不同時代審美趣味。油畫家的藝術造詣正是體現在油畫的筆觸之中。這是一個長期的積累和修煉過程，不可能一蹶而就。

　　美國畫家費欣的油畫《戴戒指》局部 特點：注重用筆觸來表現臉部結構

　　（7）”質”就是質感，也就是畫面中物體的材質。相同顏色不同材質的物體在同一個畫面中出現時，主要是靠物體的材質來分辨。對于材質的表現，不同的畫家有不同的處理方法和繪畫技巧。

　　瑞典畫家佐恩的油畫作品《女士》局部， 特點：注重人物服裝材質的技法

　　一幅有藝術魅力的作品

　　能夠讓人們的心平靜下來

　　在當前，對快節奏下奔波的人們

　　對他們浮躁、焦慮、不安的內心

　　是一種宗教般的救贖

　　不可否認，油畫厚重的歷史文化底蘊下

　　帶給人們思考的不僅僅是世界

　　更多的是內省

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