音樂基本常識總結

　　總結是指對某一階段的工作、學習或思想中的經驗或情況進行分析研究，做出帶有規律性結論的書面材料，通過它可以正確認識以往學習和工作中的優缺點，不如靜下心來好好寫寫總結吧。那么總結應該包括什么內容呢？下面是小編幫大家整理的音樂基本常識總結，僅供參考，大家一起來看看吧。

　　音樂基本常識總結

　　1.音(Tone)

　　是一種物理現象。物體振動時產生音波，通過空氣傳到耳膜，經過大腦的反射被感知為聲音。

　　人所能聽到的聲音在每秒振動數為16-2000次左右，而使用到音樂中的音(不含音)，一般只限于每秒振動27-4100次的范圍內。音的高低、強弱、長短、音色取決于物體的振動。

　　2.音色(Tone-color)

　　指音的感覺特性。發音體的振動是由多種諧音組成的，包括基音和泛音，音色是由泛音的多少及泛音之間的相對強度決定的。人們區分音色的能力是天生的，音樂的顏色分為人聲音色和器樂音色。人聲音色分高、中、低音，并有男女之分;器樂音色中主要分弦樂器和管樂器，各種打擊樂器的音色是不同的。

　　3.共鳴(Resonance)

　　共鳴指的是一種振動。當一個發音體振動時，引起了其它物體的振動，并發出了聲音，產生了共鳴。

　　4.基音(Fundamentaltone)

　　物體振動時所發出的頻率最低的音是基音，其余的為泛音。基音決定音高。

　　5.泛音(Harmonicovertone)

　　除了發音體整體振動產生的最低的音是基音，以基音為標準，其余1/2、1/3、1/4等各部分也是同時振動，是泛音。泛音的組合決定了特定的音色，并能使人明確地感到基音的響度。樂器和自然界里所有的音都有泛音。

　　6.音高(Pitch)

　　音高是用一秒鐘的振動的次數來表示的。頻率多則音高，頻率少則音低。目前國際通用的標準音“a”，是每秒振動440次的聲音。

　　7.音名(Pitchname)

　　音名指西洋樂制中代表固定音高的名稱。這些名稱沒有統一，在各個國家是不同的。被廣泛采用的是.CDEFGAB。

　　8.唱名(Syllablenames)

　　唱名是指音階上各音的名稱。通常使用1do、2re、3mi、4fa、5sol、6la、7si。大調的主音用1do，小調的主音用6la。

　　9.音域(Compass)

　　人聲或樂器所能達到的最低音和最高音之間的范圍就叫音域。音域可分為總的音域和個別音域、人聲和樂器音域。

　　10.調性(Tonality)

　　調性指調式類別與主音高度。在樂曲中，主音是旋律、和聲的核心，其它音與之發生從屬關系最后中止在主音上。這樣的樂曲就是有調性的樂曲。

　　11.音階(Scale)

　　指調式中的各音，從以某個音高為起點即從主音開始，按照音高次序將音符由低至高來排列，這樣的音列稱為音階。音階由低到高叫做上行，由高到低叫做下行。我們今天所說的音階，就是以最普遍的大音階(大調)與小音階(小調)為主。

　　12.五聲音階(Pentatonicscale)

　　由五個音構成的音階。多用于民族音樂的調式。如.do、re、mi、sol、la、(do)。

　　13.大調(Majormode)

　　調式的一種。七聲音階，其相鄰二音的間距分全音與半音兩種。其音階除第三、四兩音間與第七、八兩音間為半音外，其余均為全音。大調的色彩較為明朗。

　　14.小調(Minormode)

　　調式的一種，七聲音階有“自然小調”、“和聲小調”、“旋律小調”、“現代小音階”四形式。小調的色彩一般較大調黯淡，常用來表達悲哀、憂郁的情緒。自然小調(小音階)的二三兩音間與五六兩音間為半音。

　　15.純律(Justintonation)

　　與十二平均律不同。音階中各音與主音的關系均為純音程。由于這樣形成的半音無法分平均，所以不能隨便轉調，現已被歷史所淘汰。

　　16.主音(Key-note)

　　調式音階里的第一音。十二平均律(Temperament)音律的一種。把一個八度音均分為十二個半音，半音的音程都是相等的。鋼琴、豎琴等樂器均按此律定弦。

　　17.半音、全音(Semitone、Wholetone)

　　將一個八度音分成十二等份，每一份為半音，兩個半音相當于全音。半音相當于小二度，全音相當于大二度。

　　18.協和音程與不協和音程(Consonant，Dissonance)

　　根據協和的程度可分為完全協和音程(純1、4、5、8度)和不完全協和音程(大、小3、6度)。除此之外都是不協和音程。

　　19.音程(Interval)

　　指兩音之間的距離。計算音程的單位稱“度”，兩個音之間包括幾個音節就稱幾度。度數相同的音程又因為其所含半音和全音的數目不同而有純、大、小、增、減等區別。

　　20.十二音體系(tweleve-tonesystem，tweleve-notesystem)

　　現代派作曲手法之一。由奧地利作曲家勛柏格于1921年創立。作曲家放棄傳統的調式、調性與和聲體制，將半音音階中的十二個音任意排成一年音列，然后以倒置、逆行等技法加以處理，除非所有的音都出現過，否則任何一個音不得重復。

　　21.五聲音階(prentatonicscale)

　　八度內有五音，謂之“五聲音階”。

　　22.七聲音階(diationicscale)

　　八度內有七音，就稱為“七音音階”。

　　23.力度(dynamics)

　　力度指演奏、演唱樂曲時音響的強度。以力度記號表示，如f(強)、p(弱)、<(漸強)、>(漸弱)等。

　　24.不定音高(inderterminatepitch)

　　樂曲中所采用的沒有明確音高的聲音叫不定音高。實為噪聲，原不屬于樂章范圍。現代派作曲家常用之，如鋸木聲、折紙張聲、打字聲、掃地聲、敲擊聲、噓聲、呼嘯聲等等。

　　25.不對稱節奏(asymmetricrhythm)

　　又稱“復節奏”(polyrhythm)。在同一樂句或小節中，各聲部的節奏不相一致;或在同一小節中，組成各節拍的時值不相一致。廣義言之，復調音樂都屬于奇異節奏。現代派作曲家所用的奇異節奏，是一種高度復雜化的節奏。

　　26.切分音(synopation)

　　變換小節中強弱拍位置的一種節奏。其形成的格式如下.

　　(1)、弱拍音延續到強拍位置;

　　(2)、休止強拍位置;

　　(3)、弱拍音改為強拍。

　　27.無調性(atonality)

　　指樂曲的構成沒有一定的調性基礎。

　　28.平行五度(parallelfifths)

　　樂曲的兩個聲部隔開純五度作平行進行。十五世紀以來，在對位與和聲上都規定應避免平行五度之出現。

　　29.平行減七弦(paralleldiminishedseventh)

　　和弦進行的方式之一。減七和弦由四個音連續小三度疊置而成，其特點是無明確的傾向性，減七和弦連續出現而不加解決，就是”平行減七和弦”。

　　30.節奏(rhythm)

　　構成樂曲的基本因素有樂音的高度、樂章的時值(包括休止)、樂音的強弱三種。表現于時值與強弱方面的，即樂音的有規律的輕重緩急，稱為節奏。

　　31.節拍

　　樂曲中周期性出現的節奏序列。

　　32.主調音(tonickeynote)

　　調式的中心音稱為”主調音”。

　　33.主調音樂(homophony)

　　復調音樂及單調音樂的對稱。多聲部音樂的一種。以一個聲部作旋律(曲調)進行，其余聲部居于和聲襯托的地位。

　　34.半音音階(chromaticscale)

　　相鄰二音的間距為”半音”，謂之“半音音階”。

　　35.全音音階(whole-tonesacale)

　　相鄰二音的間距皆為全音，謂之“全音音階”。

　　36.華彩段(cadenza)

　　插于樂曲尾處的輝煌的即興演奏段落。由獨奏者即興展示其演奏技巧。作曲家與演奏家常為他人的作品寫定華彩段。

　　37.聲部(part，voice)

　　指重唱、合唱、重奏、合奏樂曲中同時進行的各旋律線。如弦樂四重奏有第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴四個聲部;混聲合唱有女高音、女低音、男高音、男低音四個聲部。

　　38.轉調(modulation)

　　樂曲在進行中變換調性。轉調是重要的作曲手法之一。簡單的轉調常在近關系之間相轉。

　　39.拍子(beat)

　　小節的單位時值。小節的拍子結構以拍子記號(timesignayure)表示。

　　40.和聲(harmony)

　　不同高度的樂音同時發聲，謂之和聲。和聲學的研究對象為.和弦的結構、和弦的連續法則、和弦在樂曲上功能屬性、和聲學是作曲技法的重要組成部分。

　　41.和弦(chord)

　　和聲的結構單位。在自然音階的和聲體系中，和弦由音階上各音連續三度疊置而成。三音疊置，即成三和弦，由C、E、G三音組成;其屬七和弦，由G、B、D、F四音組成。

　　42.變和弦(alteredchord，Chromayticchord)

　　和弦的組成音中有不屬于同調性的音出現，謂之變和弦。變和弦常作為轉調的準備。

　　43.單調音樂(monophony)

　　單旋律的音樂。復調音樂及主調音樂的對稱。即不附帶任何對位聲部、襯托句及伴奏等，只有一條單純的旋律線。古代音樂及大多數民歌，都是單調音樂

　　44.復調音樂(polyphony)

　　單調音樂及主調音樂的對稱。由兩個以上各自獨立而又根據和聲法則同時進行的聲部組成的音樂。其性質與”對位音樂”(counterpoint)基本相同。

　　45.復對位(compoundcounterpoint)

　　凡對位音樂的各聲部可以高低易位者，統稱為復對位。復對位按聲部數量可分為二重對位、三重對位、四重對位等。

　　46.音域(compass)

　　人聲或樂器發聲的音調廣度，常以其高低兩極音表示之。各種音域，其各局部的音質不相同，這種局部，稱為音區(register)，在人聲則稱為聲區。

　　47.音程(intreval)

　　兩樂音之間的音高差距。通常以自然音階兩音之間的音級數(包括邊緣兩極)作為音程的量度。

　　48.音高(pitch)

　　樂音在音階上的絕對高度。如C音、D音等。在物理上，音高決定于發音體的振動頻率，在心理感覺上，音高之決定還稍受音的響度的影響。

　　49.音調(idiom)

　　某一時代、民族、地區、流派、作曲家特有的音樂風格。如言某民族或某的民歌音調。

　　50.音階(scale)

　　音樂上所用的音，根據一定規律，在八度內按高低次序排列之，即成音階。世界各民族各地區，皆有其獨特的音階。

　　51.美聲唱法(belcanto)

　　聲樂表演風格之一。十八世紀流行于意大利。演唱者追求音質的優美、自然與歌唱表演的華麗、輝煌，而忽視詞意和感情等的表達。以運用美聲唱法著稱的作曲家有貝里尼、多尼采蒂、羅西尼等人。他們所作的歌劇常稱為”美聲歌劇”。

　　52.配器(orchestration)

　　作曲法的組成部分之一。指器樂合奏曲中各種樂器的配合。其內容要點為各類樂器性能、各類樂器的音色對比與配合效果、樂曲原音響統一效果。配器除用于初始寫作之外，亦常用于現成樂曲配器，如將鋼琴曲、重奏曲等，改編為管弦樂曲。

　　53.調式(mode)

　　據以構成樂曲的基礎音列。其中一音為中心音，其余各音與該中心音具有依存關系。調式的中心音稱為”主調音”。以主調音的音高表示調式，謂之”調性”。樂曲之構成而無一定的調性基礎者，謂之”無調性”;同時以兩種調性為基礎者，謂之”多重調性”。

　　54.旋律(melody)

　　不同高低與不同時值的音前后相連，即成旋律。旋律的要素一為音高，二為節奏。較原始的音樂公有旋律，甚至僅有節奏。現代音樂也有只求和聲與配器等的新奇效果而忽略旋律的。

　　55.音樂的基本表現手段

　　音樂的基本表現手段是.

　　(1).曲調旋律、節奏、拍子、速度;

　　(2).調、和聲;

　　(3).力度;

　　56.音樂的分類

　　(一)音樂按聲部和聲部狀況可分為.單聲部音樂、.復調音樂、主調音樂。

　　(二)音樂按照性質分可分為.純音樂、標題音樂、輕音樂、爵士音樂。

　　57.樂音體系

　　在音樂中使用的、有固定音高的音的總和，叫做樂音體系。

　　58.調號

　　變化記號若使用在整首曲子中，使這首曲子中的每逢指定的音都要升或降，那這時候這個變化記號就被稱之為調號。

　　59.節拍

　　強拍和弱拍的均勻的交替。節拍有多種不同的組合方式，叫做”拍子”，正常的節奏是按照一定的拍子而進行的。

　　60.旋律

　　又稱曲調，它是按照一定的高低、長短和強弱關系而組成的音的線條。它是塑造音樂形象最主要的手段，是音樂的靈魂。

　　如何學習音樂基本功

　　樂理

　　簡單來說，音樂基本理論知識為了演奏的需要，鋼琴課往往是用到什么講什么，因為不講學生就不會彈。這樣在課上講的樂理只能是應付演奏，不可能系統、詳細，不可能講得太深，更沒有書面練習。學生只知其然而不知其所以然，也不會留下深的印象。學生如果想自學，就會遇到很多新問題。有一部分很重要的知識在技能課上幾乎涉及不到，如音值組合法、音程的構成與識別、和弦原理、大小調式、民族調式以及相當于大學教程的和聲、音樂發展史、作品分析等。

　　視唱練耳與節奏練習

　　這是素養課的核心和精髓。視唱就是看著譜唱。視唱是音樂工作者的一項基本功，也是學習樂器學生的一項基本技能。視唱學得好的學生，學琴過程不會出現識譜方面的問題，因而進步順利;聽音是對耳朵的直接訓練，音樂是聽覺藝術，聽覺能力的提高直接意味著音樂素質的提高;節奏是音樂的骨架，節奏訓練有助于培養學生的樂感，學生學到一定程度后進步的障礙主要在這方面表現出來。

　　通過學習音樂基本素養，能有效地開闊學生的藝術視野、提高音樂修養，全面提高音樂素質，并使眼、口、手、腦、耳能得到全面協調的鍛煉。

　　那么針對于這些基礎，The ONE智能鋼琴教室是如何簡便的使孩子們輕松的掌握呢?

　　The ONE智能鋼琴教室用“唱”“聽”“視”“奏”一體的全新智能的教學方法來教學，將樂理知識，視唱練耳，節奏練習等蘊含其中，在孩子練習中一起學習。

　　唱

　　唱唱名：聆聽樂曲，以DoReMi的形式唱表現出曲子的表情和細微的變化，感受音樂韻律。同時大部分的歌唱曲也是旅途中所要學習的樂曲，起到提前預習的作用。

　　唱歌詞：通過歌詞拓展對音樂的想象，體驗表現音樂的樂趣和喜悅。

　　邊彈邊唱：通過邊彈邊唱加強孩子的手腦配合能力，同時有效地加深了孩子對音符和音高的記憶，有助于耳朵的發展，最終達到能聽出固定音高。

　　聽

　　聽音樂：讓孩子學會去聆聽音樂，感受音樂。通過我們自己編配的背景音樂，讓孩子從中找到演奏的成就感。同時，我們還準備了多首世界名曲，帶領孩子們感受各個時期的名家作品，增進孩子對音樂的鑒賞能力。

　　聽故事：40個連環小故事，以主人公小寶看世界為線索，路過光明城門，遇到游擊隊，聽小美的爺爺講很久以前的故事，與大象拔河等等...帶領孩子一起闖關大冒險，快樂的學琴。

　　聽音高：由老師帶著彈唱所學音符和樂曲旋律，讓孩子從一開始就對音高產生記憶，慢慢形成固定音高的耳音。

　　視

　　色彩鮮明可愛的畫面：善良而有冒險精神的主人公小寶，帶著孩子們在五彩繽紛的世界里闖關，趣味無窮。

　　規范的視頻教學：通過讓孩子觀看視頻的形式學習樂曲彈奏，讓孩子們更直觀的學習到標準的彈琴坐姿和手型。

　　趣味教學的視覺沖擊：很好的把趣味性教學和傳統型教學結合到一起。

　　奏

　　三種教學模式循序漸進的讓孩子高效率的掌握樂理知識和樂曲彈奏內容

　　拉(小花)模式 -- 提高孩子的興趣; 五線譜橫軸滾動模式 -- 鞏固所學樂曲內容;

　　五線譜(無燈)模式 -- 讓孩子自在自信的演奏樂曲。

　　1、聲音必須要讓聽眾感覺到清晰的“質感”。要做到這一點，就必須在演唱時，聲音充分靠前。這種靠前還必須是“高度集中的”。“質感”是以高度“聚焦”的形式來體現的，點子越小，質量愈高。

　　2、音量控制不是以放大----縮小來體現的，而是以上述這個小小的聚音點的亮----暗控制體現的，這種技術要求的目的是為了唱者廣大音量時，音質仍保持聚而不散。在減弱音量時，更不能失去“質感”，哪怕唱氣聲時，仍不失去“質感”，電聲再高明，只能改變唱者的音色，卻無法制造出“音色”來。

　　3、音質產生于聲帶的振動，振動來自聲帶的張力---- 阻力，因而發音的“焦點”必定在聲帶上，西洋傳統唱法中有一句聲樂術語叫做----“讓聲帶歌唱”。帕伐洛蒂說過：“聲音是從聲帶開始的，必須使聲帶立即振動起來。”就是這個意思。

　　4、“聲必須靠在聲帶上”。如果說聲音的出發點在嘴巴，聲音就無法靠在聲帶上了。也就是聲帶的張力----阻力不到位，所產生的聲音效果要么奶聲奶氣的;要不聲音就無法集中;日本歌壇目前就有這么一種唱法，據說是為了表現“清純”的效果。

　　“讓聲帶歌唱”五個字同時可以具有三個內容：

　　聲音意識不要以“嘴”為出發點，而是應以聲帶為起點，這是一種意識，(因為聲音實際上總是通過嘴巴出來的)始終應以聲帶為“起點”;

　　第二種是從生理上說的，在讓聲帶歌唱時，“軟腭的兩邊必需放下來”，好像一直掛到脖子下面，這是在歌唱時的一個非常重要的條件，因為它是解決聲帶緊喉嚨松的關鍵。腭弓松了，舌頭就自由了，下巴也放松了，喉嚨才可能打得開。反過來，腭弓一繃緊舌根立即下壓，造成聲道堵塞，一切全完了;

　　第三種是指“聲音靠在氣上”(傳統唱法有此要求，歐美流行唱法同樣有此特點)因為歌唱方法的本質是氣息----聲門的阻抗，沒有積極的聲門張力----阻力又如何能和氣息產生阻抗?聲帶的調節是一切科學唱法的核心。

　　5、聲音必需充分唱出來的另一體現是吐字。應該說歌唱吐字要比說話夸張得多，就如同演話劇時念臺詞的吐字比平時說話要夸張的情況相同。(貓咪叫時的嘴巴形狀，形象地說明了唱法的口型要求)。

　　6、氣感：氣感不只是一種意識，更是一種“效果”，上述呼吸中用上下腹對抗來建立支持是一種手段，這并不是說在歌唱時兩肋能保持張開的姿勢就算有了氣息支持的情況一樣，“氣感”正是對這種方法后鑒定。以教堂的鐘為例：如果這個鐘沒有掛起來就敲擊它，聲音短促而難聽;掛起之后再去調皮擊它，聲音會產生回蕩的余音，傳送十里之遙。氣感能使歌聲始終帶有回蕩的“余音”，聽覺效果明顯不一樣，唱者的自我感覺是清楚地感到胸中有“回聲”

　　流行音樂唱法技巧

　　氣聲技巧

　　所謂氣聲技巧，是一種氣息與聲音不按常規發聲狀態組合的形式。在傳統唱法中，最講究氣息與聲音的完整結合。它要求氣息沖擊聲帶時，聲帶要完全閉合發聲，這種聲音出來響亮而結實，具有穿透力。這就是我們經常提及的發聲術語——“關閉”。而流行唱法中，由于歌曲感情或風格的需要，有意使氣息與聲音不完全的結合，造成一種“漏氣’的狀態。這種聲音唱出來，夾雜著氣息，不像正常發聲狀態下的聲音那樣具有結實的力量，反而聽起來有一些像小號吹奏時的“沙沙聲”，給人一種的憂郁又帶些傷感的感覺。例如，在克里斯蒂娜的《The voice Within》中，歌曲的第一部分和結束部分都大量使用了氣聲技巧，使得演唱在體現力量的同時又展現出柔美、深情的一面，歌曲被演唱者詮釋的淋漓盡致。雖然這種“漏氣”的演唱在美聲唱法中偶爾也會用到，但像流行唱法這樣上升到一種決定歌曲情感走向的高度，還是有所區別的。

　　混聲的運用

　　說到混聲，可能研究美聲、民族等傳統唱法的人會問，混聲不是傳統唱法才會使用的技巧嗎？其實，流行唱法一樣也需要混聲技巧的應用。我們在學習的時候會了解到，人的聲音存在一個換聲區。在演唱自然音域以上的音時，往往會出現“唱不上去”“卡住”的情況。這時，就需要混聲技巧的幫助了。聲音通過頭腔的一個特定區域，使真聲與假聲結合，形成一種和諧的融合。這種聲音聽起來不會像撕扯聲帶那樣難以接受，又能夠達到歌曲要求的音量和音高。傳統唱法的混聲多調動頭腔整個的共鳴腔體，聲音出來位置較高，比較接近于“假聲”狀態，而流行唱法的混聲只結合頭腔較靠前的區域，聲音較接近于真聲，不會像傳統唱法給人“高高在上”“遙不可及”的感覺，聲音聽起來真實、貼切。

　　話筒運用

　　流行唱法與其他唱法的一個最明確的不同，就是運用話筒進行演唱。話筒的作用有三：其一是對聲音進行修飾、潤色、化妝，流行唱法的許多發聲技巧，例如氣聲唱法、柔聲唱法、沙聲唱法等，都必須依靠話筒才能早現出來。從這個意義上講，話筒實際上參與了發聲運動，它是歌唱者的 “第二張嘴”；其二是歌唱者持話筒演唱，邊唱邊做各種表演動作，話筒的倒手、轉動等，成為演唱中的道具。從這個意義上說，話筒又是歌唱者的“第三只手 ”；其三是話筒作為現代化高科技的電子器件，從而使演唱者的歌聲更富現代感、時尚感、新潮感，從這個意義上看，話筒又成為演唱者的 “翅膀 ”，它可以彌補流行唱法因為采用自然聲而在音量、音色、咬字吐字的力度等方面明顯的不足。

　　運用話筒有很多方法與技巧，流行唱法的歌手必須學會正確地運用話筒，要善于調整好嘴唇與話筒的距離、角度，以適應各種發聲技巧與演唱技巧。例如當采用柔聲唱法時，須把話筒調整到距嘴唇較近，這樣可以使歌聲通過擴人后更加柔潤悅耳；而當采用喊聲唱法時，則要把話筒調整到距嘴唇遠一些，以避免產生噪音而難聽；當采用直聲唱法時，應靈活地把話筒隨音量的強弱、音色的明日音變化，不斷地調整到不同的距離和不同的角度，這樣不僅可以創造歌聲多變的奇跡，而且可以彌補發聲技巧上的某些欠缺。

　　總之，話筒的運用不可小視，要在不斷地演唱實踐中摸索出一條規律，形成為自己所適用的一整套使用方法與使用技巧。

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